UNDER THE RADAR

Todo el mundo, a estas alturas, conoce mi casi absurdo delirio por las actrices y sus interpretaciones. Tengo muchas actrices favoritas… ¡muchas! Y pronto presentaré a todas en una gran lista (estoy trabajando en eso), sin embargo, en esta ocasión me referiré a un asunto muy concreto, me referiré a interpretaciones “under the radar”… totalmente brillantes pero en películas que pocas personas han visto, mi propósito es que, si logro entusiasmarlo lo suficiente, intente ver la película apenas se le presente la oportunidad.

Mis 5 actuaciones femeninas favoritas (en películas que probablemente usted no ha visto…) son:

UMA THURMAN como “Debby Miller” en HYSTERICAL BLINDNESS
Como una mujer del New Jersey de 1987, determinada a encontrar al hombre de sus sueños flirteando en un bar de mala muerte, Uma Thurman concede una interpretación que excede las expectativas y va mucho más allá de lo que en un principio se requiere de ella, alcanzando niveles realmente insospechados de grandeza y conciliando aspectos aparentemente inconciliables… su interpretación es histérica sin ser desordenada, es entretenida y a la vez profunda, cómica y conmovedora, es tierna y al mismo tiempo absolutamente feroz, es como si la actriz se hubiese parado frente a un espejo diciendo “¿Quién dijo miedo?” y luego utiliza cada elemento posible a su favor para crear un personaje absolutamente memorable.

MEG RYAN como “Frannie Avery” en IN THE CUT
Meg Ryan interpreta a una profesora de redacción creativa que se involucra en una mórbida relación, altamente sexual, con un detective, al calor de la investigación de un crimen que ella atestiguó. Definitivamente quienes idolatran la imagen de esta actriz en las comedias románticas que ha hecho, serán impactados por este vuelco de imagen, un vuelco, por otro lado, sensual, oscuro, rico en matices, exquisito, una oportunidad absolutamente brillante en la que Ryan muestra una faceta poco vista pero increíblemente interesante, intensa y valiente.

GLENN CLOSE como “Diana” en HEIGHTS
Por un momento olvide los personajes que Close creó en los 80 (muchos de ellos memorables), su interpretación en esta pequeña cinta independiente es algo diferente (si bien se nutre de las características innatas de esta brillante actriz), peculiar, raro, es algo que trasciende la solidez y la sobriedad interpretativa para alcanzar el brillo de lo distintivo… Glenn Close modela su personaje, es una diva interpretando a una diva y me refiero a una diva grande, de aquellas que dominan en el mundo del teatro, de las que pueden dar vida a Lady Macbeth y fascinar a generaciones de amantes de las tablas, pero no solo es eso, pues es un auténtico personaje multifacético.

ASHLEY JUDD como “Agnes White” en BUG
Actuar en la adaptación cinematográfica de una obra de teatro con un contenido tan provocador como el de “Bug”, cuya acción transcurre totalmente en la habitación de un hotel, no es tarea sencilla, no obstante, Ashley Judd simplemente vence todos los obstáculos posibles y realiza la interpretación más espectacular, brillante, rara y escalofriante de su carrera, ella es hipnótica y permanece absolutamente comprometida con su papel de principio a fin, sus expresiones faciales son variadas, convincentes y enormemente elocuentes y ver a Judd deambular por los aspectos dramáticos, sórdidos, morbosos y aterradores de su rol, es una experiencia extraordinaria, única, difícil de digerir y, por extensión, difícil de olvidar.

FAMKE JANSSEN como “Kailey Sullivan” en TURN THE RIVER
Famke Janssen da vida a una madre, despojada de la custodia de su hija, dispuesta a triunfar en el mundo de los juegos clandestinos de billar a fin de obtener el dinero necesario para recuperar a su vástago. Janssen, en esta pequeña película - totalmente distinta a las cintas de los X-Men – es una sólida presencia dramática que se impone con fuerza en cada escena, logra que el espectador se solidarice con el propósito de su personaje, encarna con compasión la faceta de una marginada social y con inagotable energía la reivindicación de una luchadora persistente.

OTRAS: Lisa Kudrow en "Kabluey", Miranda Richardson en "Falling Angels", Parker Posey en "Broken English", Joan Allen en "Off the Map", Minnie Driver en "The Governess", etc.

CONFESSIONS OF A SHOPAHOLIC

Título en español: “Loca por las Compras”
Director: P.J. Hogan.
Guionista: Tracey Jackson, Tim Firth y Kayla Alpert.
Elenco: Isla Fisher, Hugh Dancy, Kristin Scott Thomas, Joan Cusack, John Goodman, John Lithgow, Leslie Bibb.
Género: Comedia.
Año: 2009.
“Confessions of a Shopaholic” no es, ni será jamás, una película recomendable para pseudintelectuales, eternos opositores de los “chick flicks” o de la “chick lit” ni para quienes se resisten a entender que una adaptación cinematográfica nunca es (ni debe ser) como el material en el que se encuentra basada, sino que funciona en sus propios términos… pero para quienes, en cambio, esperamos ver el escapismo melifluo, colorido y divertido que la última cinta de P.J. Hogan (el director de “My Best Friend’s Wedding”) ofrece, déjeme decirle que “Confessions of a Shopaholic” funciona y funciona muy bien, en otras palabras, no es nada diferente a lo que podemos advertir desde que observamos el póster que la promociona (ver imagen a la izq.) así que aquí no hay nada de publicidad engañosa, simplemente una pequeña comedia con los clichés de rigor, bonitas locaciones y una primorosa protagonista: la espectacular Isla Fisher.

Rebecca Bloomwood (Isla Fisher) es una joven periodista que sueña con trabajar en una revista de modas… ella, además, es una compradora compulsiva o, mejor dicho, es una mega-compradora-compulsiva, por lo cual resulta más que irónico el hecho de que su mejor oportunidad laboral se dé, por accidente, en una revista de finanzas donde se convierte, rápidamente, en una gurú del ahorro debido a su imaginación y chispa, cualidades que, además, le servirán para llamar la atención de Luke Brandon (Hugh Dancy), el príncipe azul de este cuento de hadas contemporáneo donde la Cenicienta aprende que su vacío no lo llena un hermoso bolso de Prada o un maravilloso pañuelo Hermés, mientras sufre para pagar las cuotas de sus doce tarjetas de crédito y enfrenta obstáculos (en una forma muy divertida) para encontrar el éxito profesional, ser fiel a sus principios y darle el "happy ending" a su vida amorosa.

El ritmo de la cinta es ágil, los colores, la ropa, el aspecto de las tiendas, la banda sonora (con un ring tone de “Rich Girl”, el maravilloso hit de la Stefani)… todo combina perfectamente para el resultado final, una confección sin pretensiones con valor como entretenimiento donde lo mejor es, sin duda, la interpretación de Isla Fisher, una comediante realmente brillante que se luce como protagonista absoluta de la película, una chica actual e inmensamente adorable sin importar sus pequeños ni sus grandes defectos... una verdadera gozada de actriz dando vida a una verdadera gozada de personaje.

MI CALIFICACIÓN: *** (BUENA)

1990 - 1999: MEJOR ACTRIZ PRINCIPAL.

Esta entrada es una continuación de mis fabulosos HAPPY STAR AWARDS de los años 90. En esta oportunidad la categoría es la de MEJOR ACTRIZ PRINCIPAL.

Desde 1990 hasta 1999 muchas actrices realizaron interpretaciones extraordinarias en cintas de horror, musicales, biopics, dramas y comedias. Algunas interpretaciones que me gustaron mucho fueron las de Kathy Bates en “Misery” y “Fried Green Tomatoes”, Angela Bassett en “What’s love got to do with it?”, Stockard Chaning en “Six Degrees of Separation”, Jamie Lee Curtis en “True Lies”, Susan Sarandon en “Dead Man Walking”, Frances McDormand en “Fargo”, Joey Lauren Adams en “Chasing Amy”, Emily Watson en “Hilary and Jackie”, Diane Lane en “A Walk on the Moon”, entre otras.

Esta es la categoría de MEJOR ACTRIZ PRINCIPAL, and the HAPPY STAR AWARD goes to:

1990: ANJELICA HUSTON como “Lilly Dillon” en THE GRIFTERS.
Nunca deja de sorprenderme lo maravillosamente bien que funciona la peculiar fisiognomía de Anjelica Huston frente a las cámaras, sobre todo en un papel tan adecuado como éste, en el que la actriz logra explayar sus habilidades creando un personaje penetrante, distintivo, resonante, moviéndose como un animal salvaje que sigue sus instintos.

1991: SUSAN SARANDON como “Louise” en THELMA & LOUISE.
Lo que el rol de “Louise” requiere es ser Susan Sarandon con una pistola y no hay nadie mejor en el mundo para realizar ese trabajo que la propia Susan Sarandon… ella se apodera del personaje, es completamente memorable, hay furia, pasión, coraje y reivindicación en cada una de sus líneas y expresiones, así como hay elementos de interés para cinéfilos empedernidos y seguidores de films de culto.

1992: MARY MCDONNELL como “May-Alice Culhane” en PASSION FISH.
McDonnell es una de esas actrices excelentes con currículos impresionantes que, por razones casi inexplicables, no es muy conocida y su colosal trabajo actoral en este pequeño film independiente es una auténtica delicia, el drama es palpable y la jornada que vive su personaje – una actriz de telenovelas que pierde su trabajo luego de un accidente que le imposibilita caminar – es totalmente creíble.

1993: HOLLY HUNTER como “Ada McGrath” en THE PIANO.
Ada es una mujer muda que se descubre como criatura erótica en tierras salvajes, Holly Hunter, obviamente no dice una sola palabra durante todo el rodaje pero sus ojos comunican más que cientos de páginas de diálogo, su expresión corporal es perfecta, sus gestos y su rostro son conmovedores y de alguna manera se las arregla para darle forma al personaje y subir al siguiente nivel, comprometiéndonos y emocionándonos.

1994: JODIE FOSTER como “Nell” en NELL.
Prácticamente no se me ocurre ni una sola actriz más para este papel, es tan difícil darle vida a Nell, la mujer salvaje de los bosques, que es por ese motivo que la creación de Jodie Foster es digna de todos los elogios posibles. Foster pudo caer en el peor de los ridículos, sin embargo, logra lo imposible y hace de Nell un ser real, convincente, fascinante, enternecedor, en suma: Foster hace magia.

1995: ELISABETH SHUE como “Sera” en LEAVING LAS VEGAS.
Uno puede ver “Leaving Las Vegas” y luego hablar horas, si no días, sobre la perfecta y extraordinaria creación de Elisabeth Shue, ella es tan real en la piel de una prostituta, rompe estereotipos y lleva su rol a otras alturas. Esta bella mujer actúa con todo su cuerpo y con su voz, comunica amor, urgencia, necesidad, desesperación, miedo y nos convierte en partícipes de su oscura jornada de autodestrucción en compañía de un amor destinado, desde el comienzo, a un final trágico.

1996: BRENDA BLETHYN como “Cynthia Rose Purley” en SECRETS & LIES.
No es que el personaje de Brenda Blethyn no funcione en términos cinematográficos o que no deje una impresión en ese sentido (de hecho lo hace, uno, luego de ver la película, se toma horas pensando en Cynthia), sin embargo, la realidad es que lo más distintivo de su interpretación es su desgarrador realismo, sí… es tan real que uno lo último que se imagina es que se trata de una actriz interpretando, en vez de eso, parece una mujer pobre de la Inglaterra contemporánea en un extraordinario documental.

1997: HELEN HUNT como “Carol Connelly” en AS GOOD AS IT GETS.
Años de excelente trabajo en la serie “Mad About You” se traducen perfectamente al terreno cinematográfico con el sello inconfundible de James L. Brooks. Helen Hunt es graciosa, romántica, maternal, bondadosa, humana y encantadoramente sensual sin perder un ápice de realismo, dando vida a una mujer de verdad, con algo de sarcasmo pero, ante todo, con un gran corazón en el lugar preciso.

1998: ALLY SHEEDY como “Lucy Berliner” en HIGH ART.
Todo prejuicio contra Ally Sheedy en su faceta de miembro de la “Brat Pack” de los años 80 debe morir definitivamente luego de ver su excelente e intensa interpretación en “High Art”. El personaje es el de una fotógrafa, otrora cotizadísima, notoriamente lesbiana y hundida en la adicción a las drogas, y a pesar de que el rol es bastante complejo, no hay aspecto que Sheedy no domine con total maestría, ella es seductora, penetrante, convincente como lesbiana, como artista, como drogadicta y no hay una sola escena en la que uno no se sienta avasallado por su poderosísima presencia.

1999: ANNETTE BENING como “Carolyn Burnham” en AMERICAN BEAUTY.
Annette Bening es puro fuego dando vida al satírico personaje de una mujer de los suburbios. En su exterior luce perfecta, por dentro se resquebraja y es fantástico apreciar la forma en que Bening interpreta ambos aspectos coqueteando con el drama y la comedia negra de principio a fin. Puntos adicionales se gana por regalarnos una de las mejores crisis de nervios de todos los tiempos (me refiero a cuando no puede vender una casa, rompe en llanto y se golpea a sí misma en la cara para recuperar el control… ¡wow!).

Opina, opina, opina... ¿cuáles son tus actuaciones femeninas favoritas de los 90?

¡Ya vuelvo!

El tiempo ha pasado volando y no he podido actualizar el blog. Me estoy tomando un pequeño descanso porque estoy viviendo un cambio bien importante, estoy pasándome de un trabajo a otro, y no solo eso, sino que estoy pasándome de una profesión a otra... realmente es complicado de explicar y este blog es sobre cine (no discuto asuntos personales), así que el punto de esta entrada es, básicamente, avisar a mis amigos que pronto estaré de vuelta con más categorías de los HAPPY STAR AWARDS de los años 90, homenajes a las dos diosas que cumplen años el 29 de abril, más reseñas de películas y bueno... todo lo que acostumbro escribir aquí en SIX DEGREES OF LUIGI.

Por el momento, un popurrí de cosas en las que he estado pensando últimamente:

Odio la actuación de Tom Hanks en "Forrest Gump" (1994)... sí, ni siquiera puedo verla, no es lo suficientemente mala para calificar como placer cómico inintencional pero sí es bastante mala como para pensar que de ningún modo se merecía el Oscar que ganó (nada personal contra el Hanks, quien sin ser uno de mis favoritos, debo reconocer que estuvo formidable en "Philadelphia"). ¡Ya!, es posible que sí esté exagerando pero es que de verdad esta película es insoportable... ¡arggghhh!

Amo la interpretación de Shelley Duvall en "The Shining" (1980), Shelley es jodidamente brillante en esa película... y no solo eso, sino que, en mi opinión, es mejor que el mismísimo Jack Nicholson. Es discutible, como todo... pero Shelley Duvall es irrepetible, incomparable y demasiado original, es decir, su presencia es P-E-R-F-E-C-T-A para una peli de horror y, sinceramente, yo nunca he visto gritar a alguien como ella lo hizo en la famosa escena del hacha.

Me excita y decepciona, al mismo tiempo, la adaptación cinematográfica de la serie de libros para adolescentes "Percy Jackson", que dirigirá Chris Columbus... me decepciona porque no me gusta la idea de que están tratando de hacer una nueva "Harry Potter" (y a mí no me gusta el tal Potter, en realidad lo odio)... me excita porque en el reparto están dos de mis actrices ultra-favoritas: Catherine "Maxine" Keener y Uma "The Bride" Thurman.

Por supuesto que estaré en primer fila el día del estreno de "Percy Jackson" y la verdad es que no me importará que la peli sea buena o mala (yo solo voy por Uma y Catherine) pero siempre pensaré que hay millones de mejores maneras de unir a este par (en una comedia independiente, por ejemplo), bueno... no hay que adelantarse, habrá que ver la peli en el 2010 y, además, los roles de Thurman y Keener son secundarios (lo cual no sé si me consuela o me frustra aún más).

Saludos a todos... prometo que volveré en unos cuantos días para retomar esta maravillosa locura del blog.

MIRADA DE MUJER: "Broken English" de Zoe Cassavetes.

Continuando con el ciclo de reseñas MIRADA DE MUJER, donde solo se comenta película dirigidas por mujeres, he aquí “Broken English” de Zoe Cassavetes.

Zoe Cassavetes nació el 29 de junio de 1970 en Los Angeles County, California, y yo, sinceramente, la envidio un montón pues, además de ser bonita e inteligente, es la hija de Gena Rowlands y John Cassavetes y entre sus amigas se encuentran Sofía Coppola y Parker Posey, ¡wow!, en otras palabras, ella es una auténtica princesa del cine independiente estadounidense de pura sangre azul… ¡qué envidia, ¿no?! Ahora, hablando en serio, lo único que uno puede sentir por ella luego de ver “Broken English” (además de muchísima envidia… je, je) es gran admiración. Su trabajo como directora y guionista de la mencionada película es una conjunción de variadas emociones que van desde apreciar el retrato de una mujer contemporánea a la deriva y el surgimiento de un nuevo talento tras cámaras hasta atestiguar un sencillo pero a la vez poderoso homenaje al estilo cinematográfico de su padre, John Cassavetes, todo un paradigma del cine independiente de los años 70.

“Broken English” es una película que compitió en la sección dramática del Festival de Sundance del año 2007 y obtuvo algunas nominaciones y premios dentro del circuito del cine independiente estadounidense, no obstante, la cinta pasó mayormente desapercibida y poca gente que conozco la ha visto. Quizás la discreción con la cual ha sido presentada, en festivales y estrenos limitados, hace que “Broken English” sea incluso más especial, es de esas películas que te dan mucho más de lo esperado y te dejan preguntándote: “¿Dónde ha estado escondida todo este tiempo esta pequeña y jodidamente maravillosa obra de arte?” y creo que esa sensación no tiene precio, son pocas las películas que logran generarla y en parte, en eso tan especial, es donde radica el impagable encanto de esta película que es drama, comedia romántica, autodescubrimiento, París, sexo, Nueva York… es algo raro, es una historia contada con tono sincero y realista pero a la vez llena de magia de cuento de hadas, o sea, como un episodio (o sucesión de episodios) de la vida misma, uno de esos momentos en los que se siente de verdad el clic, la conexión, es difícil de explicar pero es así y es posible que “Broken English” sea mucho más disfrutada por quien se sienta identificado con la historia de un personaje extraordinario absorbido por la simplicidad de su vida cotidiana, quien en realidad desea amar y ser amado pero que, al mismo tiempo, se resiste a abrirse a la posibilidad de ser feliz.

La historia se desarrolla en torno a Nora Wilder (Parker Posey), una mujer que se acerca a los cuarenta años de edad, es atractiva pero no tiene novio (y, a decir verdad, su vida romántica es un absoluto desastre), es inteligente pero su desarrollo profesional es mediocre, es especial y ella misma lo desconoce totalmente, en fin, Nora es una moderna mujer neoyorquina que soporta la presión de su madre (Gena Rowlands), encuentra apoyo en una leal amiga (Drea DeMatteo) y luego de algunos desencuentros amorosos descubre una nueva y atractiva posibilidad de finalmente tener éxito en el amor cuando conoce a un encantador hombre francés (Melvil Poupaud). De cualquier manera, el mayor atractivo de la historia es analizarla desde la perspectiva de una mujer auténtica, presa de temores reales que le impiden abrazar la vida con libertad. Cassavetes no solo nos relata una historia humana y romántica sino que la forma en que lo hace es simplemente irresistible y llega al corazón sin ser en ningún momento insultante, ella es una diestra observadora que, además, comunica admirablemente sus agudas observaciones.

Uno de los mayores aciertos de “Broken English” consiste en la elección de la protagonista pues me resulta imposible imaginar a otra actriz que no sea Parker Posey dando vida a Nora. Parker Posey tiene no solo el talento necesario para transmitir las emociones de un personaje que pudo haber caído en el más absurdo cliché sino que, además, se apodera con ferocidad de cada escena por la vía de su poderosa personalidad y el encanto de una presencia escénica que no es común ni fácil de olvidar. Parker Posey es una de esas actrices que ofrecen, con su sola presencia, algo totalmente distinto y creo que por eso es una de mis actrices favoritas… su interpretación en “Broken English” es probablemente la mejor que he apreciado de ella, y más que una interpretación, me atrevería a decir que es una experiencia, para los fanáticos irremediables de las actrices será un regalo imposible de rechazar, es simplemente ver nada más y nada menos que a Parker Posey en estado de gracia.

Sé que no es una película conocida pero si algún día usted se encuentra cara a cara con el DVD de “Broken English” no dude en darle una oportunidad, es – como dije en una crítica muy vieja que escribí de esta película – “la clase de pequeño milagro que me permite conservar la fe en la nueva generación de cineastas que, tal como Zoe Cassavetes, trabajan calladamente y se concentran en mantener la integridad artística para continuar proyectando su sensibilidad, sus intereses y sus ideas a través de la pantalla.”

DIRECTORA y GUIONISTA: Zoe Cassavetes. ELENCO: Parker Posey, Gena Rowlands, Drea DeMatteo, Melvil Poupaud. AÑO: 2007.

MI CALIFICACIÓN: **** (EXCELENTE)

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MIRADA DE MUJER: "Monsoon Wedding" de Mira Nair.

Inicio mi ciclo de reseñas denominado MIRADA DE MUJER con el trabajo de una directora admirable e importantísima dentro del panorama cinematográfico moderno: la realizadora india Mira Nair.

La experiencia de Mira Nair como documentalista es evidente en la manera que aborda las historias y los personajes en sus películas. Con un talento extraordinario, Nair, se introduce en la realidad objetiva de sus personajes, su estilo es particular pero en ciertos casos guarda semejanzas con grandes del cine independiente estadounidense como Robert Altman, por ejemplo, algo que, en mi opinión, es excelente… de cualquier modo esta comparación es simplemente reflejo de una percepción muy personal que no necesariamente debe ser compartida, lo importante aquí es hacer hincapié en que lo que esta directora ofrece es relevante y significativo pues por lo general trasciende lo que puede ser un sencillo retablo costumbrista y se aproxima a conceptos universales, sin desprenderse en lo absoluto de los contextos específicos que enmarcan las historias con las que trabaja, lo cual, en mi opinión, es testimonio de una habilidad especial que básicamente consiste en saber observar lo que está frente a su nariz y, de la misma manera, ver más allá de lo evidente.

“Monsoon Wedding”, ganadora del León de Oro en el Festival de Cine de Venecia del año 2001, es mi película favorita de Mira Nair, en ella convergen en rara armonía los elementos más representativos de su estilo como directora, digo rara porque es curioso hablar de armonía cuando una puesta en escena luce aparentemente improvisada y la narrativa se percibe aparentemente caótica… la clave para digerir esto es que la improvisación y el caos son, en efecto, aparentes, pues es probable que mientras uno ve la película disfrute con cada una de sus partes individualmente consideradas pero una vez concluido el visionado no es difícil apreciar que la obra como conjunto posee cohesión y que ello es producto de una directora meticulosa, inteligente, ordenada y visionaria que en realidad ha planificado hasta el más diminuto detalle, logrando capturar no solo la esencia de una familia punjabi de Delhi – contexto sociocultural paradigmático en India – sino la esencia de una nación entera a medio camino entre el más agobiante subdesarrollo y su inevitable inmersión en procesos globalizadores, en otras palabras, un país en el cual existe una constante simbiosis de lo ancestral con lo moderno, un pueblo que teje su futuro diariamente tratando de armonizar la dicotomía en la que se encuentra actualmente en cuanto a la conservación de los valores tradicionales y la apertura a un mundo que exige la ruptura de ciertos paradigmas para abrirse a percepciones multiculturales que en definitiva redefinen conceptos y plantean desafíos. No deja de sorprenderme, entonces, que una película concebida con sencillez, como un homenaje a la figura de la familia punjabi típica, sea capaz de transmitir con tanta precisión elementos trascendentales de la cultura y la realidad actual de un país particularmente complejo (por varias razones que van desde su tamaño hasta su diversidad antropológica) pero así es… “Monsoon Wedding” es, ante todo, un retrato veraz y penetrante, con capas y matices susceptibles de ser analizados desde varias perspectivas.

El argumento de “Monsoon Wedding” es difícil de explicar concretamente sin terminar narrando todo lo que sucede, por lo tanto me limitaré a indicar que la cinta se trata de cómo los miembros de una familia punjabi muy extensa interactúan en el contexto de la celebración de una boda arreglada. Entre principales, secundarios y, lo que yo llamo, ultrasecundarios, la película agrupa más de sesenta personajes y desarrolla cinco historias. La celebración de la boda se lleva a cabo durante varios días, tiempo suficiente para que se genere un flujo de emociones, nazcan romances y se revelen secretos… en fin, todo lo que sucede entre familiares y amigos en una boda.

Para Mira Nair, una mujer punjabi de Delhi, “Monsoon Wedding” es una película a través de la cual rinde un homenaje a la cultura de la cual es parte y quizás es por eso que no son solo su inteligencia y su talento como realizadora los que se encuentran explayados en este proyecto sino también, y principalmente, su corazón… un gran corazón colocado justo en el lugar preciso, que se ensancha y no deja espacio para nada que no sea amor. El poder universal del amor está presente a lo largo y ancho de esta obra, es el condumio no solo de la historia sino de la película misma y ese es todo un mérito, especialmente en una era en que son pocos los cineastas capaces (o interesados) de llevar a la pantalla con honestidad y pasión ese sentimiento avasallador, edificante y transformador que es el amor en sus diferentes manifestaciones.

En esta película tan especial, la cámara de Nair penetra en la cotidianidad y enfatiza en los detalles de tal forma que en determinados momentos es como pasar de ser un distante espectador a entusiasta partícipe de la boda que se está llevando a efecto. La puesta en escena es conseguidísima, con una paleta de colores fascinante, hipnótica y excitante que navega vertiginosamente, al compás de una banda sonora simplemente maravillosa, de lo edénico a lo orgiástico. Aquellas escenas donde confluyen la música y colores tan vivos como el rojo, el anaranjado y el amarillo, son evocativas, inolvidables y tan bellas que cuando vi la película por primera vez, en la sala de cine, sentí que levitaba. De cualquier modo, es interesante notar que esta inagotable provisión de golosinas para los ojos y los oídos no carece de propósito, todo es parte de una experiencia cinematográfica poderosa cuyo origen y fin último es noble y reconfortante: celebrar la vida, celebrar el amor.

En conclusión, “Monsoon Wedding”, es una obra maestra especial que nos recuerda, a los amantes del cine, porqué nos gustan tanto las películas, al tiempo que nos empuja violentamente a devorar el mundo y amar la vida con pasión, valentía y gozo.

DIRECTORA: Mira Nair. GUIONISTA: Sabrina Dhawan. ELENCO: Naseeruddin Shah, Shefali Shetty, Lillete Dubey, Vijay Raaz, Tilotama Shome, Vasundhara Das, Parvin Dabas, Kamini Khanna , entre otros. AÑO: 2001 (Festival de Cine de Venecia), 2002 (estreno en EEUU y Ecuador).

MI CALIFICACIÓN: **** (EXCELENTE)

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ADIÓS: Natasha Richardson.

Desde hace mucho tiempo quiero escribir sobre Natasha Richardson, siempre me ha parecido una actriz muy buena y una persona radiante. Me descuidé y nunca encontré el pretexto adecuado para introducirla en una de las entradas de mi blog, entonces me siento raro de que sea un evento tan horrible como su muerte, hace dos días, el que me ha motivado definitivamente a escribir sobre ella, una suerte de modesto homenaje de mi parte a una actriz maravillosa y una mujer tan cálida como refulgente.

Natasha Richardson es parte de una dinastía de cuatro generaciones de actores: los Redgrave. Hija de Vanessa Redgrave y Tony Richardson, sobrina de Lynn Redgrave, hermana de Joely Richardson, Natasha siempre brilló con luz propia (es más, cuando la noté por primera vez ni siquiera sabía que pertenecía a semejante familia) y desarrolló una carrera actoral exitosa en el cine y, principalmente, en el teatro… cosechando éxitos y aplausos desde los años ochenta hasta hace pocos días.

La muerte de Natasha es una sorpresa desagradable, un balde de agua fría… tenía apenas 45 años de edad, una carrera que iba muy bien y un matrimonio de varios años con el actor Liam Neeson. La muerte de Natasha es una noticia triste, ella era actriz antes que estrella y eso es un gran cumplido.

Aún reconociendo que Natasha Richardson no fue tan bien aprovechada en el cine (lo cual no es ninguna sorpresa dado que la mayoría de las buenas actrices tienen dificultades para encontrar buenos papeles) su talento fue totalmente apreciable en varias cintas y voy a recomendar dos:

En THE WHITE COUNTESS (2005, de James Ivory) – una más de las exquisitas producciones Merchant-Ivory – Natasha Richardson interpretó a la Condesa Sofía Belinskya, una rusa de “sangre azul” exiliada en la China de los años 30, una mujer condenada a realizar un trabajo deshonroso en un club nocturno de lujo que encuentra el amor en un diplomático ciego. El rol es jugoso y Natasha lo interpretó a la perfección, con expresividad y brillo en los momentos adecuados al tiempo que vulnerable e inmensamente conmovedora en las escenas más tristes, el resultado es la construcción de un personaje multidimensional y emocionalmente rico que resulta satisfactorio de observar incluso, por no decir con mayor interés, en los instantes más silenciosos de la película.

En ASYLUM (2005, de David Mackenzie), un thriller erótico al borde del desastre que encuentra su cualidad redentora precisamente en las interpretaciones de su talentoso elenco, Natasha Richardson dio vida a Stella Raphael, la esposa infiel de un psiquiatra de los años 50… Richardson personifica admirablemente las urgencias sexuales de su personaje, a veces su languidez sexual es tan enorme que, observarla, puede resultar una experiencia algo incómoda. La película posee ciertas irregularidades pero, como dije, se mantiene a un buen nivel gracias a las buenas actuaciones, así que si desea ver el trabajo de una Natasha Richardson en forma creo que ésta es una película que merece el visionado.

Natasha Richardson (11 de mayo de 1963 - 18 de marzo de 2009) nos ha dejado físicamente pero podemos recordarla a través de su trabajo, es lo mejor que podemos hacer...

1990-1999: MEJOR VESTUARIO

Dentro de los premios que he inventado, los HAPPY STAR AWARDS (ver imagen a la izq.) no puedo negar la importancia del diseño de vestuario.

Si bien no soy un gran conocedor de calidades de telas, historia del vestuario, folklore, teoría del vestuario, entre otras materias fundamentales para entender de una mejor manera esta disciplina… como espectador, y con mis conocimientos de historia en general, puedo comentar un poco sobre los logros que más han llamado mi atención en cuanto al diseño de vestuario dentro de las muchas cintas realizadas durante los años 90. Después de todo, el vestuario es parte esencial de lo que vemos cuando apreciamos una película y muchas veces es un elemento que se destaca.

Por esto y mucho más, en la categoría de MEJOR VESTUARIO, el HAPPY STAR AWARD goes to…

1990: Colleen Atwood por “Edward Scissorhands”
A decir verdad, y a diferencia de buena parte de los cinéfilos de mi generación, no soy gran fanático de esta fantasía de Tim Burton, de cualquier modo, uno de sus mayores atributos es la manera en que conquista el ojo con sus imágenes y colores… en ese sentido el trabajo de la Colleen Atwood es distintivo, provocador y sobresaliente.

1991: Ruth Myers por “The Addams Family”
Esta adaptación de la serie me encantó. El trabajo de Ruth Myers es perfecto en la medida que captura la esencia de cada personaje de la serie con trajes macabros y divertidos, muy bien hechos… y, además, Anjelica Huston nunca se vio más extrañamente sexy que aquí (lo cual es mucho decir).

1992: Jenny Beavan y John Bright por “Howards End”
Jenny Beavan y John Bright se adaptan perfectamente al mundo riguroso de las exquisitas adaptaciones literarias de Merchant-Ivory (las cuales me encantan sobremanera) y han creado unos trajes fieles a la usanza de Inglaterra de principios del siglo XX… ¡Prácticamente es como ver el año 1910 a través de una mirilla!

1993: Gabriella Pescucci por “The Age of Innocence”
Esa belleza superflua del excesivo estilo de vida de los socialites neoyorquinos de finales del siglo XIX es exactamente lo que refleja cada uno de los bellísimos trajes que Gabriella Pescucci ha hecho para esta conseguidísima adaptación del libro homónimo de Edith Warthon, un verdadero éxito que beneficia mucho a la película en general.

1994: Colleen Atwood por “Little Women”
Me gustó la sobriedad y precisión de los trajes en esta película. Los colores son opacos pero creo que van de acuerdo a la época y a las características de los personajes de la historia y, además, aquello no merma en lo absoluto el hecho de que Winona Ryder, Trini Alvarado y Samantha Mathis lucen radiantes en esos hermosos diseños.

1995: Paul Brown por “Angels and Insects”
La palabra “insectos” en el título de esta película definitivamente no es accidental y ello también está presente en los colores y diseños de los trajes de este original drama de época. Los colores y los diseños de los trajes atraen a la vista con un poder hipnótico. Me encantó el traje de “abeja reina” de Patsy Kensit.

1996: Janet Patterson por “The Portrait of a Lady”
Trabajo minucioso, exquisito, riguroso y creativo. El encaje negro, los trajes elaboradísimos, los accesorios como abanicos y peinetas así como la predominancia de los colores sobrios y oscuros tienen un enorme poder de sugestión en este infravalorado drama de época. En general, el trabajo de Janet Patterson me parece hermoso y perfecto.

1997: Ruth Myers por “L.A. Confidential”
Si alguna vez alguien ha logrado transportarme al Hollywood de 1950 a través del vestuario esa es definitivamente Ruth Myers con su trabajo en este excepcional drama policial, donde Guy Pearce, Kevin Spacey y Russell Crowe aparecen realmente transformados en esos machos de novela criminal mientras Kim Basinger resalta como una “wannabe Veronica Lake” maravillosamente ataviada durante todo el rodaje.

1998: Judianna Makovsky por “Pleasantville”
Un llamativo, original, inspirador y nostálgico trabajo que transporta al espectador al mundo de las series de TV estadounidenses de los años 50. Judianna Makosky nos presenta al ama de casa con su falda amplia y delantal que prepara pancakes en el desayuno, los uniformes del equipo estudiantil de basketball, el lechero con su corbatín y sombrero característicos entre otras adorables idiosincrasias yanquis.

1999: Colleen Atwood por “Sleepy Hollow”
Colleen Atwood cierra la década con este maravilloso trabajo que combina la diversión del mundo Tim Burton, el horror del cuento clásico en el que está basada la película, la magia, el romance, el misterio y la estética casi de caricatura que maneja la cinta en sus elementos de producción.

... ¡Qué sería de las películas sin los diseñadores de vestuario!

Imágenes:
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DÍA DE LA MUJER: ¡Ellas dirigen!

Seguramente, en un futuro no muy lejano, hablar de “mujeres directoras” será irrelevante, pero en lo que al día de hoy respecta, el tema continúa siendo materia de análisis exhaustivo.

Lo más probable es que usted conozca por fotografías o haya escuchado de realizadores tan disímiles (y celebrados a lo largo y ancho del mundo) como Francis Ford Coppola, Martin Scorsese, Steven Spielberg, Woody Allen y, de los más modernos, Ron Howard, David Fincher o Christopher Nolan y yo le pregunto… ¿Ha reparado en que todos ellos son hombres?

Es posible que, en efecto, usted no haya reparado en que todos los directores respetados, afamados, premiados y aclamados son hombres y yo tampoco voy a hacer de esta entrada un manifiesto feminista pero lo que sí quisiera es aprovechar esta fecha, celebrando el Día Internacional de la Mujer, para presentarle algunas realizadoras con el fin de que al menos vea sus rostros, las conozca y, si se anima, explore sus películas, las valore, las descubra y las ame como las obras de arte que son.

8 directoras que me parecen muy interesantes son:

Mira Nair (“Monsoon Wedding”)

Lisa Cholodenko (“High Art”)

Jane Campion (“The Piano”)

Catherine Hardwicke (“Thirteen”)

Mary Harron (“The Notorious Bettie Page”)

Nicole Holofcener (“Friends with Money”)

Zoe Cassavetes (“Broken English”)

Sarah Polley (“Away from Her”)

Los títulos entre paréntesis representan mis películas favoritas de cada una de estas talentosas mujeres que trabajan tras cámaras y llevan el amor, las emociones y la creatividad directo al celuloide.

A lo largo de este mes publicaré semana a semana, en una serie que he denominado MIRADA DE MUJER, películas de las mencionadas realizadoras para ponerlas a consideración y, si es posible, para comentarlas aquí en el blog así como también escribiré más detalles sobre estas ocho directoras.

Imágenes:
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1990-1999: MEJOR ACTRIZ SECUNDARIA.

Continuando con los HAPPY STAR AWARDS (ver imagen a la der.) de los años 90, esta vez me referiré a mi categoría favorita: MEJOR ACTRIZ SECUNDARIA.

MEJOR ACTRIZ SECUNDARIA es una categoría interesante. Durante los 90 hubo muchas señoras y señoritas que con tan solo unos minutos en pantalla se robaron películas enteras y ese es uno de los aspectos más mágicos de esta selección de brillantes actrices en roles que van desde los más conmovedores y dramáticos hasta los más trepidantes e histéricamente divertidos.

En qué se parecen una bruja malvada, una Lolita, una compuesta dama británica, una compuesta dama americana, una sexy cocainómana, una prostituta que quiere ser actriz, una manipuladora de una novela de Henry James, una novia al borde de un ataque de nervios, una virgen de 28 años y una mujer enamorada de un hombre que no es hombre… pues, en que todas ellas son las ganadoras en la categoría de MEJOR ACTRIZ SECUNDARIA.

And the HAPPY STAR AWARD goes to…

1990: DIANE LADD como “Marietta Fortune” en “WILD AT HEART”
Diane Ladd interpreta a una madre malvada, obsesionada con asesinar al novio de su hija. Ella encarna básicamente a una bruja moderna que combina un histrionismo chocante, exagerado y absolutamente brillante… nadie (créame, nadie) puede ser indiferente ante el despliegue de talento de esta mujer que asusta, repele e hipnotiza en un rol encantadoramente perverso.

1991: JULIETTE LEWIS como “Danielle Bowden” en “CAPE FEAR”
Uno termina teniendo sueños con Juliette Lewis después de verla en esta electrizante película de Scorsese. Brilla completamente en el papel de una joven que combina ingenuidad con astucia y, sobre todo, que posee una fascinante, latente y perenne energía sexual. Sus escenas son encantadoras, llenas de inspiración y hay que recordar que se luce hasta cuando le toca compartir con semejante gigante que es Robert De Niro.

1992: MIRANDA RICHARDSON como “Ingrid Fleming” en “DAMAGE”
Jamás en mi vida he visto un milagro como éste. Por varios motivos, “Damage”, es una cinta al borde del desastre pero Miranda Richardson es una inesperada tabla de salvación… uno la ve en varias escenas de la película y convence, simpatiza pero no resalta mayormente porque el guión no le da mayor importancia pero (y este es un GRAN pero) cuando llega el momento donde su personaje deja de ser pasivo para reclamar por la muerte de su hijo, por la humillación de la que ha sido objeto, señoras y señores, la bella, exquisita e incomparable Miranda se roba la película, sus diez minutos son los diez únicos minutos que realmente merecen la pena en “Damage”, ella es devastadora, valiente, tan vulnerable como poderosa, su dolor es palpable y ella lo expresa con pasión, sin afectaciones, con naturalidad y desbordante energía dramática. En sus diez minutos de brillo, Richardson, construye, analiza, sintetiza y reconstruye a Ingrid, su personaje, es algo realmente impresionante, y la incisiva expresión de su rostro así como la inflexión de su voz llegan al alma con una fuerza aniquiladora.

1993: WINONA RYDER como “May Welland” en “THE AGE OF INNOCENCE”
Winona Ryder es adorable y encantadora como May, la mujer perfecta, incorruptible, adorable, una bella e inocente socialite del Nueva York de finales del siglo XIX que conforme la historia se desarrolla se va revelando como una criatura convencida de lo que quiere en la vida y muchísimo más sabia y astuta de lo que cualquiera, en su entorno, creería.

1994: UMA THURMAN como “Mia Wallace” en “PULP FICTION”
Lo que voy a decir es ampliamente discutible, pero yo creo que la interpretación de Uma Thurman es la mejor de “Pulp Fiction”. A mí me vendió completamente la idea del personaje, una novedosa caricatura de la típica femme fatale del film noir. Mia es una mujer que es sexy, sabe que es sexy y disfruta siendo sexy, pero la forma en que Thurman la interpreta nunca se siente trillada, vulgar o fastidiosa… todo lo contrario, es una creación original, fresca, divertida y sazonada con la adecuada dosis de sex appeal y encanto retro.

1995: MIRA SORVINO como “Linda Ash” en “MIGHTY APHRODITE”
Mira Sorvino casi me mata de la risa en “Mighty Aphrodite”. Muchas de sus líneas son memorables, la primera escena en la que aparece es una absoluta lección para cualquier persona que quiera aprender a actuar en comedias, la voz del personaje te reventará los oídos y es mi "chica Allen" favorita de todos los tiempos (sí, así de taaanto me gusta). La interpretación de Sorvino es pura dulzura combinada con una sexualidad caricaturesca y mucho, mucho, mucho sentido del humor.

1996: BARBARA HERSHEY como “Madame Serena Merle” en “THE PORTRAIT OF A LADY”
La interpretación de Barbara Hershey es colosal en este moderno drama de época. Como una manipuladora Madame se apodera de cada escena en la que aparece, su personaje es señorial y tiene ese encanto en la superficie que le obliga a uno a mirar pero más interesante es ver lo dañado que está por dentro, su capacidad para hacer el mal, para actuar con el egoísmo con el que actúa y luego es más interesante aún observar el modo en que Hershey logra proporcionarle humanidad a tan peculiar rol.

1997: JOAN CUSACK como “Emily Montgomery” en “IN & OUT”
Joan Cusack es lo mejor de la película, algo que ella ya ha experimentado demasiadas veces como para mencionarlo otra vez pero no puedo dejar de decirlo cuando es tan cierto. Su aplomo para la comedia está totalmente de manifiesto en este divertidísimo papel de una mujer que ha soñado toda su vida con ser la delgada y perfecta novia y, de repente, descubre que su futuro esposo es gay. Ella es histérica, cómica, simpática y uno no puede dejar de mirar la creatividad con la que Cusack asimila y representa el papel.

1998: LISA KUDROW como “Lucia DeLury” en “THE OPPOSITE OF SEX”
La interpretación de Lisa Kudrow en esta película llega justo en el año donde (luego de 4 años de éxito en la serie “Friends”) le tocaba demostrar que era mucho más que Phoebe Buffay y ¡vaya que lo demostró!, se robó el show resumiendo en su actuación el carácter tragicómico y oscuro que hace a “The Opposite of Sex” una película tan rara y especial, impresionante su capacidad de ser conmovedora, convincente y muy cómica en el rol de una solterona amargada con frases para la historia como aquella en la que el personaje de Christina Ricci le pregunta “¿Cómo una mujer puede llegar a ser tan amargada?” y ella responde “Observación…”, ¡wow!

1999: CHLOË SEVIGNY como “Lana Tisdel” en “BOYS DON’T CRY”
Chloë Sevigny tiene uno de los rostros más atípicos que he visto en la gran pantalla, sin duda es hermosa en “Boys don’t cry”, película en la que proyecta un inusual aura de seducción que hace fácil comprender porqué Brandon Teena cayó rendido(a) a sus pies. La presencia escénica de Sevigny resalta, las escenas en las que aparece son las mejores de la película y es exitosa al mostrar el exterior duro de una chica especial e interesante que en realidad es vulnerable, dulce e incondicional por dentro.

Bueno, 1990-1999, una década impresionante en esta categoría. El año 1992 fue el más "sobrepoblado", aparte de mi gran ganadora, la maravillosa Miranda Richardson por "Damage", tuvimos una constelación de actuaciones estelares como Alfre Woodard en "Passion Fish", Angela Bassett en "Malcolm X", Michelle Pfeiffer en "Batman Returns", Judy Davis en "Husbands and Wives", Joan Plowright en "Enchanted April", Vanessa Redgrave y Helena Bonham Carter en "Howards End", Marisa Tomei en "My Cousin Vinny", entre otras...

Y ahora sí, ¡comenta!, ¿Quiénes son tus actrices secundarias favoritas de los años 90?

Imágenes:
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http://www.filmdope.com/Gallery/ActorsL/10305-2874.gif
http://www.miranda-richardson.com/gallery/displayimage.php?album=33&pos=38
http://www.filmdope.com/Gallery/ActorsR/15193-335.gif
http://graphics8.nytimes.com/images/2007/02/20/dining/20070219_moskin_span.jpg
http://www.nextbook.org/images/features/feature_499_story.jpg
http://images.google.com.ec/imgres?imgurl=http://www.zuguide.com/image/The-Portrait-of-a-Lady.jpg&imgrefurl=http://www.zuguide.com/Christian-Bale.html&usg=__eAktz0KqlFdO9N864wOXOVfLZrI=&h=138&w=219&sz=4&hl=es&start=8&tbnid=nQybahXpmPiKdM:&tbnh=67&tbnw=107&prev=/images%3Fq%3Dbarbara%2Bhershey%252Bmadame%2Bmerle%26gbv%3D2%26hl%3Des
http://www.availableimages.com/movies/1998/opposite-of-sex-the/pictures-opposite-of-sex-the_pph_16.html
http://www.geocities.com/moviola1/peliculas/muchachos_no_lloran/sevigny.jpg
http://i.realone.com/assets/cs/404/01085404.jpg

1990 - 1999: MEJOR ACTOR PRINCIPAL

He inventado una tradición que pienso continuar aquí en mi blog… consiste en los HAPPY STAR AWARDS (ver imagen a la izq.), un premio que entrego a lo mejor de cada década en las categorías de Mejor Película, Mejor Actriz Principal, Mejor Actor Principal, Mejor Actriz Secundaria, Mejor Actor Secundario, entre otras áreas de interés en lo que respecta al cine y su ilimitado mundo de posibilidades.

Como la presente década aún no termina me dedicaré a presentar los HAPPY STAR AWARDS retroactivos de los años 90, una época que, como ya lo mencioné hace meses en una entrada anterior, es muy representativa para mí porque marca el momento en el que empecé a desarrollar mi afición cinéfila.

Empiezo con la categoría de MEJOR ACTOR PRINCIPAL. And the HAPPY STAR AWARD goes to…

1990: NICOLAS CAGE como “Sailor Ripley” en “WILD AT HEART”
El personaje es un ex-convicto que se llama Sailor, viste chaqueta de piel de serpiente y tiene un aire a Elvis Presley, en consecuencia la interpretación de Cage es tan vibrante, violenta, salvaje y sexualmente cargada como se esperaba, no obstante, también es sorprendentemente humana, sensible y dotada de un gran corazón.

1991: NICK NOLTE como “Tom Wingo” en “THE PRINCE OF TIDES”
La sólida presencia de Nick Nolte se hace sentir con fuerza en la que, probablemente, es la mejor interpretación de su carrera… él personifica con enorme sensibilidad a un hombre que lidia con un pasado terrible y desarrolla detrás de un exterior algo rudo y simple una gama de sentimientos y vulnerabilidades que revelan a un hombre más complejo y hermoso de lo que uno espera.

1992: AL PACINO como “Frank Slade” en “SCENT OF A WOMAN”
Pacino demuestra porqué es un gigante de la actuación, esta cinta es un buen vehículo para sus talentos, donde no solo convence como un Coronel ciego sino que le proporciona humanidad y dimensiones al personaje así como entretiene a la audiencia… No cabe duda de que Frank sabía cómo divertirse (y que es divertido verlo haciéndolo).

1993: ANTHONY HOPKINS como “James Stevens” en “THE REMAINS OF THE DAY”
Hopkins encarna la imagen disciplinada, austera y rígida del estereotípico mayordomo británico con una precisión admirable y va mucho más lejos al elaborar el retrato de un hombre que reprime sus sentimientos y emociones al extremo de continuar con sus tareas a pesar de que un segundo antes le han avisado que su padre ha fallecido.

1994: JOHN TRAVOLTA como “Vincent Vega” en “PULP FICTION”
Amalgamando la frescura de “chico cool” (que tantas veces personificó en el pasado), las características arquetípicas del antihéroe del film noir en clave pseudocaricaturesca y todo lo necesario para convertir el rol en un icono, John Travolta, mata, baila y brinda una interpretación fantástica a-la-Rock n’ Roll.

1995: SEAN PENN como “Matthew Poncelet” en “DEAD MAN WALKING”
En mi opinión, Sean Penn, es un gran actor y dentro de sus propios estándares su interpretación, de un condenado a la inyección letal por violación y asesinato, en este drama, es posiblemente la mejor de su carrera… es una aseveración fuerte (¡lo sé!) pero la forma en que lleva el personaje, el realismo, la simpatía, las texturas y las emociones que le proporciona son realmente abrumadores.

1996: WILLIAM H. MACY como “Jerome Lundegaard” en “FARGO”
Para empezar, su interpretación ha sido algo infravalorada (creo que en razón de que la película en sí es una obra maestra como conjunto), de cualquier modo considero que Macy es genial, él pone todo su contingente de fabuloso actor de carácter y logra hacer al personaje no solo la caricatura divertida que por momentos es (a-la-Coen) sino que también comunica la angustia auténtica de un hombre realmente asustado.

1997: JOHN CUSACK como “Martin Blank” en “GROSSE POINTE BLANK”
La creación de John Cusack es tan original, divertida, inteligente y fresca como la película misma… él hace que uno se sienta realmente fascinado por este mercenario muy especial en su inusual aventura de asesinato, romance y acción… de verdad, Cusack hace algo especial y diferente, es muy divertido y me vendió bien la idea del personaje.

1998: EDWARD NORTON como “Derek Vinyard” en “AMERICAN HISTORY X”
La interpretación de Edward Norton me movió a sentir compasión por un personaje por el cual es difícil desarrollar sentimientos positivos y, definitivamente, se debe a su capacidad de proyectar con éxito la transformación de un joven neo-nazi en una persona totalmente renovada, en una persona mucho mejor. El rol incluye, además, una considerable transformación física y variados matices que lo hacen muy interesante.

1999: RICHARD FARNSWORTH como “Alvin Straight” en “THE STRAIGHT STORY”
La competente, adecuada, naturalista, conmovedora y brillante actuación de Richard Farnsworth es el resultado de la enorme experiencia de un actor que se desenvolvió por mucho tiempo en roles de carácter y que, en su última película (justo antes de morir), lleva a la pantalla, de una forma sencillamente mágica, la vida de un hombre resuelto a lograr una meta aparentemente imposible (vea la película, por favor).

¡Comenta!, ¡Comenta!, ¡Comenta!... ¿Cuáles son tus actuaciones masculinas favoritas, en papel principal, de los 90?

Imágenes:
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DAT'S LOVE: un gran momento musical.

“Carmen Jones” (1954, de Otto Preminger) es una de esas películas cuyas bifurcaciones sociológicas ameritan un estudio más o menos prolijo, pero si lo que queremos no es estudiar sino gozar con las virtudes de un esplendoroso musical, “Carmen Jones” tiene el brillo, el color, la energía y el sex appeal suficientes para cumplir con ese propósito, gracias, sobre todo, a la maravillosa, potente, dulce, graciosa y totalmente fascinante presencia de Dorothy Dandridge en el rol que le da título a la cinta.

“Carmen Jones” es una de las pocas películas de los años 50 que cuenta con un elenco conformado, en su totalidad, por actores negros. Dorothy Dandridge hizo historia al convertirse en la primera actriz negra nominada al Oscar en la categoría de “mejor actriz principal” por su papel en esta película (tuvieron que pasar 18 años para que Diana Ross se convierta en la segunda mujer de color distinguida con este honor, por la película “Lady Sings the Blues”).

Mi escena favorita de “Carmen Jones” es el número “Dat’s Love”, en la cafetería, donde la Dandridge camina coquetamente y se regodea con elegancia en su propio y poderosísimo atractivo sexual… parte de la letra de la canción dice: “You go for me and I’m taboo / But if you’re hard to get, I’ll go for you / And if I do, then you are through / (----) my baby, that’s the end of you”… queda bien claro, entonces, que Carmen Jones es fascinante y audaz... y que usted no debe por nada del mundo perderse esta joya (uff!, es que me encanta esta película).

Imagen:
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BOLT

Directores: Byron Howard y Chris Williams.
Guionistas: Dan Fogelman y Chris Williams.
Género: Familiar / Animación.
Año: 2008.
Generalmente estoy abierto a todo tipo de experiencias cinematográficas contemporáneas, sin embargo, mentiría si no dijera que extraño mucho el entretenimiento familiar a la antigua… Concretamente me refiero a películas ingenuas y bien realizadas, susceptibles de ser disfrutadas por niños y adultos, al estilo de “Los Aristogatos”, “La Dama y el Vagabundo”, entre otras. En ese sentido, “Bolt” es un deseo cumplido, un divertimento cálido y seguro lleno de simpatía, humor y ternura, que recrea la historia de amistad que se desarrolla entre Bolt, un perro/actor convencido de que posee superpoderes, y Penny, una joven actriz que lo quiere como mascota.

La cinta empieza con una de las escenas más dulces del año, en la que apreciamos al pequeño Bolt siendo adoptado por Penny. Más adelante, vemos que el tiempo ha transcurrido y Bolt se ha convertido en la estrella de su propio programa de TV, donde encarna a un intrépido can con superpoderes que ayuda a Penny, en cada episodio, a vencer numerosos peligros. El problema de fondo radica en que la producción del programa emplea mecanismos inadecuados para hacerle creer al perrito que todo lo que sucede en el show es real, en consecuencia, Bolt, no tiene la vida de una mascota normal. La situación cambia radicalmente cuando, producto de un desatino por parte de los realizadores, Bolt escapa como un bólido y termina viajando, accidentalmente, de Hollywood a Nueva York, ciudad donde conocerá a Mittens, una ladina gata callejera, y más adelante a Rhino, un hámster absolutamente fanático de su programa, quienes se convertirán en leales amigos que le ayudarán a encontrar a Penny y aprender que no es necesario tener superpoderes para ser todo un héroe.

La calidad de la animación es perfecta. En la historia no sobran personajes y los que hay están dotados de mucha gracia, especialmente Bolt, el personaje central, quien es totalmente adorable con sus ojos vivaces y andar gallardo. La película está cargada de acción, sin embargo, ninguna escena promueve la violencia o la crueldad, mas bien todo está diseñado y ejecutado de una forma muy amena y didáctica para que los niños más pequeños y los más grandes – como yo – disfrutemos de un mensaje de amistad que siempre es y será bien recibido, acompañado de la correspondiente dosis de emoción.

Se agradece el voicework de John Travolta, Miley Cyrus, Susie Essman y Mark Walton, todos ellos han hecho un gran trabajo dándole vida a Bolt, Penny, Mittens y Rhino, respectivamente, por eso recomiendo que vea la versión en inglés con subtítulos en vez de la versión doblada al castellano. Asimismo, la música es, en general, apropiada para las características del producto, destacándose la canción “Barking at Moon” de Jenny Lewis.

En conclusión, “Bolt”, es una cinta animada sencilla y algo convencional que cuenta con un guión bien escrito, personajes muy simpáticos, un agradable mensaje y una puesta en escena tan colorida como fascinante, lo que en conjunto deviene en una película entretenida, refrescante y muy linda. En otras palabras, “Bolt”, es la clase de película que vería con mis hijos (si los tuviera) una y otra vez en el cine del sábado por la mañana.

MI CALIFICACIÓN: ***1/2 (MUY BUENA)

Imagen:

www.impawards.com

DOUBT... más allá de los clichés, una gran película.

Título en español: “La Duda”.
Director y guionista: John Patrick Shanley.
Elenco: Meryl Streep, Philip Seymour Hoffman, Amy Adams, Viola Davis, Alice Drummond, Joseph Foster.
Género: Drama.
Año: 2008.
“Doubt” tiene 5 NOMINACIONES AL OSCAR 2009. Mejor Actriz Principal: Meryl Streep; Mejor Actor Secundario: Philip Seymour Hoffman; Mejor Actriz Secundaria: Amy Adams; Mejor Actriz Secundaria: Viola Davis; Mejor Guión Adaptado: John Patrick Shanley.

Estando justo en medio de una temporada de premios aburridísima yo pensé que “Doubt” sería la típica producción caza-Oscar y, de hecho, debo reconocer que estaba preparado para ver una auténtica tontería. Mi sorpresa es que “Doubt”, a pesar de su factura aparentemente convencional, no es una película caza-Oscar y no es una tontería sino, en vez de eso, una sombría y angustiante reflexión sobre la duda, es teatro hecho cine del mejor, de aquél donde cada línea es citable, cada sendero propone posibilidades que retan la imaginación y cada escena está confeccionada con una precisión absoluta sin necesidad de que dicha precisión le quite poder de convicción a la obra como conjunto.

La Hermana Aloysius (Meryl Streep) es una monja con ideas arcaicas, sin embargo, gracias al rigor de su disciplina y a la figura de autoridad inconmovible que proyecta, se ha ganado el respeto de sus alumnos y ha logrado dirigir con éxito una escuela primaria en un barrio eminentemente católico. Ella misma dice que su trabajo es ser más astuta que un zorro, por lo tanto, luego de un sermón del Padre Flynn (Philip Seymour Hoffman), comienza a sospechar de él. La inocente Hermana James (Amy Adams), luego de observar un par de conductas irregulares, le comenta a la Hermana Aloysius que le incomoda la estrecha relación que ha formado el Padre Flynn con Donald Miller (Joseph Foster), el único alumno negro del colegio. La duda inicia una batalla entre la Hermana Aloysius y el Padre Flynn, la misma que se va desarrollando a través de gestos, diálogos y confrontaciones directas e indirectas acerca de la naturaleza de la relación del cura con el niño. La duda se apodera de nosotros, los espectadores, y en eso radica el éxito de la película, en que está diseñada para atacar al cerebro y no a las emociones, de tal manera que la incertidumbre va fermentando un delicioso escalofrío en el cuerpo, delicioso porque estamos ante una gran película que estimula el intelecto.

El dramaturgo John Patrick Shanley dirige y adapta al cine su propia pieza teatral con sobriedad e inteligencia. Probablemente desde un punto de vista puramente cinematográfico, “Doubt”, no aporte mayores innovaciones en cuanto a estilo pero si usted toma en serio lo que está viendo, como creo que debe ser, se dará cuenta de que la cinta no tiene ningún defecto, el tema de la duda está desarrollado magistralmente y los personajes son magníficos. A propósito de los personajes, en “Doubt”, ocurre algo raro: cada uno es sensible o abiertamente un estereotipo pero, asimismo, cada uno está tan bien dibujado y cumple con un papel tan medular en el desarrollo de la historia que nosotros, como espectadores, ni siquiera nos molestamos en reparar en ello… de verdad, es algo impresionante y creo que se debe a la fuerza del argumento, al espeluznante modo de su desarrollo y a la intensa naturaleza de las palabras y las confrontaciones que aparecen cuadro a cuadro en la película, generando una experiencia cinematográfica harto satisfactoria, sobre todo desde el punto de vista intelectual.

La última película basada en una obra de teatro que recuerdo que me gustó tanto, y especialmente debido a su naturaleza teatral, es “Tape” (2001, de Richard Linklater) y aunque “Doubt” no es una película demasiado parecida, creo que ambas tienen en común la manera de estimular el pensamiento, de empujarnos a razonar y arrastrarnos a revalorar el poder de las sutilezas y las palabras en el cine. Por supuesto, películas así requieren de guiones impecables y actores magníficos, eso lo tiene “Doubt” de sobra. Meryl Streep es una actriz cuyos hombros soportan, desde hace muchos años, el estigma de “la mejor actriz de su generación”, lo cual es una bendición con maldición pero que, en todo caso, llega a su máxima expresión en el papel de la Hermana Aloysius. En la piel de esa monja circunspecta y tan convencida de que su duda es una certeza, Meryl Streep realiza una interpretación potente y fundamental, magnífica hasta para sus propios estándares, el rol tiene sensibles gotas de humor en medio del más oscuro drama y uno sencillamente no puede dejar de pensar en ella al salir del cine, llegar a casa y acostarse a dormir. Philip Seymour Hoffman, Amy Adams y Viola Davis también son perfectos para los roles encomendados (cuando vea la película entenderá que cuando digo “perfectos” lo digo muy, muy en serio).

Finalmente, recomiendo totalmente “Doubt” porque es una maravillosa película que evade admirablemente el riesgo de abordar un tema sensacionalista con banalidad para proyectarse a inquietudes universales y atemporales a través de una reflexión incisiva, poderosa y oscura - alimentada por una dirección precisa e interpretaciones de dioses y monstruos - de algo que a todos nos ha atormentado: la duda.

MI CALIFICACIÓN: **** (EXCELENTE)

Imagen:
http://www.impawards.com/2008/doubt_ver2.html

CHANGELING

Título en español: “El Intercambio” o “El Sustituto”.
Director: Clint Eastwood.
Guionista: J. Michael Straczynski.
Elenco: Angelina Jolie, John Malkovich, Amy Ryan, Gattlin Griffith, Michael Kelly, Frank Wood, Jeffrey Donovan.
Año: 2008.
“Changeling” tiene 3 NOMINACIONES AL OSCAR 2009. Mejor Actriz Principal: Angelina Jolie; Mejor Dirección de Arte: James J. Murakami y Gary Fettis; Mejor Fotografía: Tom Stern.

Debo empezar siendo honesto… nunca he sido gran admirador de Clint Eastwood ni de las películas elaboradas específicamente para la temporada de premios, sin embargo, “Changeling” es el raro caso de una cinta que, a pesar de encontrarse inmersa en ambas categorías, ha conseguido cautivarme y generar en mí una serie de impresiones positivas que vale la pena desarrollar.

Situada en 1928 en Los Ángeles, California y basada en estremecedores hechos reales, la cinta narra la historia de Christine Collins (Angelina Jolie), una mujer trabajadora e inteligente así como devota madre de un niño de 10 años, quien afronta la desaparición de su hijo bajo extrañas circunstancias. Luego de varios días de desesperación, la Policía de Los Ángeles le devuelve a un niño que no es su hijo, intentando, por todos los medios, de convencerla de que sí lo es, situación que desencadena, para Christine, una lucha que implica enfrentar a toda una red de corrupción policíaca y, paralelamente, el descubrimiento de acontecimientos realmente macabros.

“Changeling” es una película de realización limpia y elegante en sus aspectos formales, no faltará quien la considere anacrónica pero, en mi opinión, buen cine es buen cine. La cinta está dotada de brillantes elementos de producción: precisa y bella dirección de arte, fotografía penetrante y con texturas fascinantes, exquisito diseño de vestuario, entre otros aspectos importantes que la hacen memorable y atractiva así como bellamente nos acompañan en nuestra aventura junto a una mujer valiente motivada por el inagotable, poderoso y abrumador amor a su hijo.

El ritmo que Clint Eastwood le imprime a la película es pausado, seguro, delicado, absorbente y detallista, lo cual, en conjunto, funciona espléndidamente a servicio de una historia cuyo drama se saborea con diversas cualidades que nos mantienen al borde del asiento y ese placer especial que nos recuerda porqué nos gusta tanto ir al cine.

Un aspecto especialmente importante en “Changeling” es la presencia de Angelina Jolie, cuya interpretación es sustancial y efectiva en la medida que crea una heroína determinada y vulnerable, lastimada y admirable, amorosa y feroz, venciendo obstáculo tras obstáculo para la consecución de sus propósitos.

En conclusión, “Changeling” es un drama fuerte, precioso y fascinante que, en mi opinión, se constituye como la obra más interesante de Clint Eastwood hasta ahora. “Changeling” desarrolla sucinta y divinamente una historia magnífica que retrata una jornada de amor a través de una puesta en escena conseguidísima y la interpretación de una protagonista de ensueño que lleva la obra al siguiente nivel.

MI CALIFICACIÓN: ***1/2 (MUY BUENA)

http://www.impawards.com/2008/changeling.html

TESTS DE PERSONALIDAD... según la TV.

El sitio web buddytv.com ofrece quizzes de personalidad muy divertidos.

El objetivo es descubrir a qué personajes te pareces más de las series de TV actuales. Es muy divertido, las preguntas son fáciles de contestar y los resultados -por supuesto que no los puedes tomar 100% en serio - son bastante cercanos a la realidad y vienen acompañados de una explicación.

He hecho algunos quizzes y mis resultados son los siguientes:

De “30 Rock”...

Soy Liz Lemmon y mucho de verdad hay en eso. Me gusta la parte donde dice: "Eres una persona inteligente, liberal y un poco nerd", bastante atinado en mi caso (creo).

De “Boston Legal"...

Me agrada que me haya tocado uno de los personajes más normales de la serie. Creo que el resultado es correcto cuando menciona "Tus compañeros pueden ser groseros y un poco locos pero tú mantienes la gentileza y la compostura hasta en las situaciones más alocadas."

De "24"...

Quizás es un poco exagerado, pero puede ser cierto que a veces mi actitud con la gente es a-la-Chloe. Me hizo pensar cuando dice: "Eres un genio, eres alguien que hace con facilidad cosas muy complicadas. Eres el mejor en lo que haces. Desafortunadamente careces de habilidades sociales", ¡wow!

De "House"...

Bueno... sí, el Dr. Wilson es alguien con quien me puedo relacionar en algunos aspectos. Me gusta la parte donde dice: "Tienes una destacada habilidad para aliviar a las personas incluso cuando están siendo desagradables, histéricas o rudas".

Hay muchos quizzes más y todos son muy divertidos, ya les mostraré en alguna entrada posterior qué otros aspectos de mi personalidad aparecen en las series de TV.